El término procede del latín cármĕn carminis, “canto” o “cántico” y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: “de Bura”. Su significado es “Canciones de Beuern”.
Como Carmina se escribe generalmente sin acento, como en latín, muchas veces se lo pronuncia de manera errónea. Su pronunciación correcta es /kármina/.
La obra de Carl Orff se basó en 24 de los poemas medievales de los manuscritos encontrados en el siglo XIX (pero que tienen su origen en el siglo XII y XIII). En total Orff escogió 25 canciones y las ordenó de manera que pudieran ser representadas en un escenario.
En cuanto a la música, se amoldó a la sencillez de los textos. Aproximadamente la mitad de las piezas son canciones cuya melodía se repite en cada estrofa casi sin variantes, limitándose algunas veces a realizar simples escalas mayores o menores.
El ritmo es el encargado de dar variedad al conjunto, impidiendo así cualquier monotonía. Esta riqueza rítmica es, tal vez, la característica más importante de los Carmina Burana de Orff.
La obra de Orff consta de una introducción, tres partes y un final.
• Introducción: Fortuna imperatrix mundi.
• Primera parte: Primo vere - Ûf dem anger.
• Segunda parte: In taberna.
• Tercera parte: Cour d’amours - Blanziflor et Helena.
• Final: Fortuna imperatrix mundi.
Para flauta de pico, oboe, trompeta, violín concertante, 2 violines, viola, violonchelo y bajo continuo.
Este conciertos evoca una especie de pirámide de tres picos que tiene como fundamento los instrumentos de cuerda, por encima los solistas (concertino) y, en vértice - tomado entre los precedentes - un único solista todavía más importante y ágil (trompeta).
La trompeta es utilizada con un extremado virtuosismo hasta en su registro más agudo. De hecho es considerada la parte más difícil para trompeta de toda la obra. Como es común en el barroco, en el segundo movimiento no se utiliza este instrumento.
Nacido en Austria, fue uno de los directores de orquesta más famosos del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín por 35 años.
El pequeño Herbert
Era hijo de una familia de la alta burguesía de Salzburgo, de ancestros griegos. Estuvo en contacto con la música desde su infancia, puesto que su padre era clarinetista aficionado y su hermano organista. El primer instrumento del pequeño Herbert fue un piano. Cuando se trasladó a Viena, su interés pasó a ser la dirección orquestal.
Su maestría sin igual
Reverenciado y detestado, siempre polémico, si hay un músico que represente mejor que nadie la dirección orquestal durante el siglo XX, ése ha sido Von Karajan. Por un lado su carisma, su forma apasionada de acercarse a la música, su capacidad única para arrancar las más brillantes sonoridades a la orquesta (aunque basado en una realidad, se ha convertido ya en un tópico hablar del «sonido Karajan») y, por otro, tanto su culto a la técnica y los estudios de grabación como su profundo conocimiento del mercado discográfico lo convirtieron en la batuta más popular y aclamada de toda la centuria y también en una de las más vilipendiadas por quienes le criticaban su afán megalómano, su superficialidad a la hora de afrontar el repertorio y su conservadurismo estético, cerrado a las nuevas corrientes musicales de su tiempo. Acusaciones que, siendo ciertas en el fondo, no pueden hacer olvidar su magisterio en la interpretación de las grandes obras del repertorio sinfónico y operístico romántico, con Beethoven, Chaikovski y Richard Strauss a la cabeza.
Su impulso en la época de Hitler
En 1934, dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez.
Su carrera tomó un giro durante el régimen de Hitler. En ese entonces, las mejores batutas se hallaban en el exilio y Karajan fue la nueva promesa de la escuela de directores de Alemania. En 1935, su carrera tuvo un impulso significativo cuando se inscribió como miembro del Partido Nazi. En ese mismo año fue nombrado el director de orquesta alemán más joven. Dos años más tarde debutó con la Orquesta Filarmónica de Berlín y la Ópera Estatal de Berlín. A pesar de todo su éxito obtenido, el Tercer Reich lo recibió con desdén después de que se equivocase en un concierto de gala para los reyes de Yugoslavia. Al dirigir sin la partitura, se perdió y las cantantes se detuvieron. Furioso, Hitler ordenó que no volviera a dirigir en el festival anual de Bayreuth mientras él viviera y así fue. Después de la guerra, Von Karajan hizo lo más que pudo para no recordar aquel vergonzoso y no tan glorioso incidente que quizás salvó su carrera en la postguerra.
La postguerra
En 1946, Von Karajan dio su primer concierto en la postguerra, en Viena con la Orquesta Filarmónica de Viena, pero después se le prohibió ejercer la dirección por las autoridades de la ocupación rusa, debido a su afiliación al Partido Nazi. Aquel verano, participó anónimamente en el Festival de Salzburgo. Al siguiente año, se le permitió seguir dirigiendo.
Orquesta Filarmónica de Berlín
En 1954, Von Karajan aceptó la dirección de la Orquesta Filarmónica de Berlín, cuya dirección había constituido desde siempre uno de sus más anhelados objetivos. Asumió la dirección imponiendo la condición de que su plaza fuera vitalicia. Juntos realizaron apariciones por todo el mundo. En 1955 la orquesta realizó su presentación en Nueva York, desde donde comenzó una gira por los Estados Unidos. En total, entre 1955 y 1958, el director y la Filarmónica de Berlín tocaron 105 conciertos en Estados Unidos. Otros viajes internacionales bastante notables incluyen: 11 visitas a Japón, el tour de 1984 que también los llevó a Corea, y, en 1978, sus primeros conciertos en China.
Von Karajan jugó un papel importante en el desarrollo del formato original del disco compacto, ya que apoyó esta nueva tecnología de grabación y apareció en la primera conferencia de prensa que anunció el formato. Los primeros prototipos de CD tenían una duración limitada a apenas sesenta minutos y a menudo se afirma que se amplió hasta los 74 minutos a instancias de Von Karajan, para que así cupiera en un solo disco la Sinfonía nº 9 de Beethoven. Sin embargo, los inventores del CD niegan este hecho.
Algunas anécdotas
Algunos lo consideraban excesivamente egocéntrico. Cuando dirigió Wagner en la Ópera del Metropolitan, dispuso que el podio del director estuviese colocado de modo que lo situase a la vista del público. En grabaciones operísticas de Verdi, cambió el balance de tal modo que resaltase el sonido de la orquesta en la mezcla final, todo para enfatizar su rol en la interpretación. Los críticos lo comparan con Leonard Bernstein, destacando que ambos directores "no tuvieron igual en su magistral histrionismo en el podio". De hecho, con su grupo de Berlín que conocía íntimamente, recordaba a Fritz Reiner en su economía de movimientos. También dirigía con frecuencia con los ojos cerrados.
Puede ser cualquier de conjuntos instrumentales. La única condición es que debe tener un tamaño pequeño.
Al igual que con la música de cámara, el complemento de “cámara” se refiere al salón en la que se desarrollaban (en su origen los salones de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII).
Desde entonces significa “orquesta reducida que cabe en un salón”. No tiene una formación concreta de instrumentos.
Escrita en sol menor en un período extraordinariamente creativo para Mozart (verano de 1788), es la penúltima sinfonía de Mozart.
Como ocurre con la Sinfonía n.º 41, no existe ninguna prueba documental de que la obra llegara a estrenarse en vida del compositor. Al parecer Mozart revisó su sinfonía y aún se conservan los manuscritos de ambas versiones. Como comenta Zaslaw, eso "demuestra que [la sinfonía] fue interpretada, porque Mozart no se habría tomado el trabajo de añadir las partes de los clarinetes y de reescribir las de las flautas y los oboes para acogerlos, si no las hubiese escuchado en una actuación en directo.
La sinfonía está orquestada (en la segunda versión) para una orquesta compuesta por flauta, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas y una sección de cuerdas.
En general, casi todos han coincidido en afirmar que la sinfonía posee un tono trágico y es intensamente emocional.
Mozart, sirviéndose de todos los recursos de la técnica musical y sin abandonar los medios propios del estilo clásico, consiguió que su drama personal quedara patéticamente reflejado en ésta obra. Aunque la escritura de la Sinfonía n.º 40 no es particularmente innovadora y su orquestación es incluso más reducida de lo habitual, la compleja estructura de los movimientos corresponde a un deseo de profundidad en los más íntimos sentimientos del alma humana.
La obra está estructurada de forma convencional para el período clásico: cuatro movimientos, rápido, lento, minuet y rápido:
1. Molto allegro
2. Andante
3. Menuetto: Trio
4. Allegro assai
Todos los movimientos, con la excepción del tercero, están escritos en forma sonata. El minueto y el trío están compuestos en forma ternaria.
El primero de la serie de conciertos se halla formalmente entre el concerto grosso y el concierto para solista.
Escrito para violín píccolo que lleva el peso concertante de la obra, 3 oboes, 2 trompas, fagot, cuerdas y bajo continuo.
Es el único que consta de cuatro movimientos, los tres primeros según la estructura tradicional italiana (Allegro-Adagio-Allegro), más un extenso Menuetto de inspiración francesa, con tres tríos (una sección intermedia que contrasta en cuanto a carácter y orquestación, ésta confiada a un pequeño grupo de instrumentos), el segundo de los cuales es una polonesa o polacca. Es precisamente este movimiento el más sorprendente y original de la partitura, todo un dechado de invención instrumental, por ejemplo en el último trío, en el que parecen resonar en las trompas los ecos de una cacería.
Movimientos:
1.Allegro
2.Adagio (en re menor)
3.Allegro
4.Menuetto; Trío I (2 oboes y fagot); Menuetto Polacca (violines y violas); Menuetto Trío II (2 cornos y 3 oboes); Menuetto.
Los conciertos de Brandeburgo son seis obras (BWV 1046 - 1051) que Johann Sebastian Bach presentó en 1721 (aunque probablemente las compuso antes).
Estos conciertos fueron dedicados al margrave de Brandeburgo (en Alemania), Christian Ludwig, a quien le envió esta carta junto con los conciertos:
"Monseñor, hace ya algunos años tuve la dicha de hacerme oír por Vuestra Alteza Real, dándome cuenta entonces del placer que sentíais por los insignificantes talentos musicales con que el cielo se ha dignado favorecerme. En el momento de la despedida, Vuestra Alteza Real me hizo el honor de encargarme que le enviara algunas obras salidas de mis manos, por lo que me he tomado, obedeciendo esta orden que me honra, la respetuosa libertad de llenar mis muy humildes obligaciones con los conciertos adjuntos, compuestos para diferentes instrumentos. Al mismo tiempo, os ruego humildemente que no juzguéis su imperfección con la severidad propia del gusto refinado que poseéis en materia de música. Os ruego os dignéis buscar en ellos, con la máxima benevolencia, el profundo respeto y la obediente sumisión que he querido testimoniaros. En cuanto al resto, Monseñor, ruego a Vuestra Alteza Real con toda la humildad que os debo, os dignéis tener la bondad de seguir interesándoos por mí, con la convicción de que nada me es tan agradable como seros útil en circunstancias más dignas y de más peso para vos; con el mayor entusiasmo, tengo el honor de ser, Monseñor, de Vuestra Alteza Real, el más humilde y obediente servidor, Juan Sebastian Bach."
A pesar de todo el arte, toda la inspiración y toda la ciencia musical que Bach derrochó en su composición, se sabe que los mismos nunca fueron interpretados en la residencia del margrave, y que su autor jamás percibió el más mínimo honorario por ellos. Sin embargo, hay que pensar que esto se debió no tanto al desinterés de Christian Ludwig, como al hecho de que sobrepasaban con mucho las posibilidades del destinatario: efectivamente, la orquesta del margrave carecía de efectivos suficientes y, sobre todo, capacitados, para hacer frente a la extremada complejidad y a las altísimas exigencias técnicas de estas obras.
A la muerte del margrave, en 1734, el manuscrito autógrafo de los seis Conciertos fue tasado en la cantidad de veinticuatro grossos. Tras diversos avatares, dicho manuscrito fue finalmente adquirido por un antiguo discípulo de Johann Sebastian, el compositor Johann Philipp Kirnberger, quien se lo regaló a su alumna la princesa Amalia de Prusia, hermana de Federico el Grande. En la actualidad el manuscrito se conserva en la Biblioteca Estatal de Berlín.
Si vemos su definición más general un capricho es una determinación que se toma arbitrariamente, inspirada por un antojo, por humor o por deleite en lo extravagante y original. A mi parecer no se ve tan diferente de lo que es un capricho en la música. Las piezas consideradas caprichos parecen jugar de esta manera tan particular, según el antojo de su autor.
Definiéndolo un poco más formalmente, el capricci (en italiano) es una pieza musical, con frecuencia de forma libre y de carácter vivo y animado. Un capricho habitual es aquel que es de naturaleza rápida, intensa y a veces virtuoso.
Este término se aplicó a una variedad de trabajos durante el Barroco (lo usaron Frescobaldi, Bach). Nicolò Paganini lo utilizó para sus veinticuatro solos para violín, Luigi Legnani para sus treinta y seis solos para guitarra. Pyotr Ilyich Tchaikovsky y Nikolai Rimsky-Korsakov lo usaron para sus obras para orquesta. Johannes Brahms escribió varios caprichos para piano.
Aquí los dejo en compañía de dos caprichos, el primero, el famoso Capricho Nro. 24 de Paganini interpretado por Jascha Heifetz y el segundo el Capricho Nro. 15 de Luigi Legnani interpretado por Zoran Anic.
Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo (Austria) en el año 1756. Era un virtuoso tanto al piano como al violín y la viola. A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época. Compuso más de seiscientas piezas.
Estudios realizados durante la década pasada atribuyen a su música, en especial a la sonata K.448, diversas cualidades como la de incrementar algunas capacidades del cerebro, así como disminuir la actividad epileptógena.
Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Su madre se llamaba Anna María Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa antigua, de los 7 hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Anna Maria, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus.
Ambos hermanos mostraron desde muy pequeños asombrosas facultades para la música; para Wolfgang, la música y las matemáticas eran tan naturales como los juegos para cualquier otro niño.
A los 4 años practicaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los 6, tocaba con destreza el clave y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.
Después del nacimiento de Wolfgang, su padre abandonó todo para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor.
Entre los cuatro y los seis años compuso 22 piezas que su padre publicó en una monografía. Cuando el niño iba cumplir 6 años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de su hijo ante las principales cortes de Europa, donde causó sensación en cada concierto ante emperadores, monarcas y reyes. La gira duró 3 años.
En Holanda deslumbró tocando el órgano más grande y complicado del mundo y compuso su primer oratorio a los 9 años. Cada representación era una exhibición de su virtuosismo con el clave y el violín (se cuenta que ya en esa época podía tocar el teclado con los ojos vendados), y dejaba a los espectadores maravillados improvisando sobre cualquier tema que le proponían.
En el Vaticano, Wolfgang Amadeus escuchó el Miserere de Gregorio Allegri. Esta obra tenía carácter secreto, pues sólo podía interpretarse en la Capilla Sixtina y su publicación estaba prohibida bajo pena de excomunión. Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El Papa Clemente XIV, admirado ante el talento del músico de 14 años, no sólo no lo excomulgó, sino que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro.
Resolviendo en media hora un examen que al resto de los postulantes les llevó tres, fue admitido como compositor en la Academia Filarmónica de Bolonia. El ingreso de Mozart en la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los veinte años, edad mínima exigida por el reglamento.
Ése es el origen griego de la palabra música. La música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.
Una cosa que quiero destacar de esta definición es que la música no es sólo sonidos, como se podría pensar, los silencios pueden cumplir también un papel fundamental.
La música nace de la cultura con el fin de brindar una experiencia bella a quien la escucha y de expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas.
El compositor Claude Debussy dio una definición que para mí es bastante acertada: la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor."
Cada uno de estos cuatro elementos (instrumento, instrumentista, creador y obra) imprime su matiz especial. Una misma obra interpretada por dos personas diferentes que utilizan el mismo instrumento puede sonar completamente distinta. Tan solo variando uno de estos cuatro elementos tenemos otro resultado. Por más que se quiera tratar de medir matemáticamente cada componente de la obra, el compositor y el instrumentista que interpreta esa composición impregnan cierto sentimiento a la obra.
La idea de este blog comenzó a partir de que tomé consciencia de mi ignorancia con respecto a los temas relativos a la música clásica. Ante mi deseo de salir de esa ignorancia he decidido investigar y compartir todo lo que vaya encontrando sobre grandes compositores, directores, obras, definiciones, cosas curiosas y todo lo que se me ocurra que tenga alguna relación con esto.
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